Chicago (2002) de Rob Marshall

Pop – Six – Squish – Uh-hã – Lipschitz – Cícero. 

He had it coming, He had it coming
He only had himself to blame
If you’d been there, If you’d seen it
I betcha you would, have done the same…

Chicago é a prova de que bons musicais ainda existem. É super movimentado, com músicas animadíssimas e sensuais que ficam na cabeça, com um elenco formidável em perfeita sincronização. Uma Obra de Arte que abocanhou 13 indicações ao Oscar e inumeras outras internacionais.

Chicago foi adaptado de uma peça de teatro que faz sucesso desde sua criação, em 1926. A Miramax comprou os direitos e começaram-se os processos de transformação em um filme com um orçamento de 45 milhões. Rob Marshall em sua estréia em longas-metragens, deixou provado que não é apenas um bom coreógrafo da Broadway. Anteriormente o diretor já havia recebido algumas indicações ao Tony (Prêmio máximo do Teatro nos EUA). Chicago foi sua maior obra, a qual lhe rendeu as indicações do BAFTA, Globo de Ouro e o Oscar de Melhor Diretor. 

Ao terminar de assistir Chicago, percebe-se que a história não é impactante e é mais uma forma de expor os altos e baixos das estrelas da cidade Chicago. Já começa com um ritmo movimentado e muito bom, onde Roxie (Renée Zellweger) assisti uma performace de seu maior ídolo, Velma Kelly (Catherine Zeta-Jones) em Vaudeville na cidade que dá o títudo do filme. Roxie sonha em ser a nova estrela do lugar, mas vê seu sonho ir por água abaixo quando é presa após assassinar seu amante. E é na prisão que seu sonho se acende novamente. Lá ela conhece a diretora da prisão Mama Morton (Queen Latifah) que lhe consegue a ajuda de um advogado, Billy Flynn (Richard Gere) que por sinal não perdeu um caso se quer. Roxie conhece o outro lado de Velma (que também está presa por assassinato), Arrogante e prepotente. Logo ficam inimigas e disputam o mesmo advogado.

Mesmo com uma história simples, “Chicago” não deixa de mostrar a realidade da cidade Chicago, como mortes por enforcamento, assassinatos, corrupção dentro da prisão, e a realidade das pessoas que ficam famosa dentro da cidade. Billy promete colocar Roxie no topo da fama, e consegue. Mesmo não tendo mostrado seu talento ainda, Roxie que outrora era uma simples prisioneira, do dia pra noite se tornou famosa, apenas pelo fato de ter assassinado uma pessoa. O que a mídia não faz hein! E é essa a proposta que fica evidente no filme. Em um dia a pessoa pode estar famosa mas no outro pode surgir outra estrela que será a sensação do momento, fazendo da outra uma estrela esquecida. É exposto de uma maneira bem humorada e divertida.

A produção não poderia ser mais eficiente. Desde a criação das músicas, no estilo Jazz, o figurino à montagem que foi mais do que eficiente, com sincronismo perfeito; percebemos isso nas cenas cantadas, onde ao mesmo tempo em que a cena cantada está sendo exibida, na mesma música também é exibida os fatos que estava ocorrendo, por exemplo, na cena da prisão onde as prisioneiras contam porque foram parar ali (cantam a música do inicio do comentário), a dança e a cantoria vão rolando dentro na prisão e em alguns cortes e flash o filme vai mostrando como aconteceu o crime de cada uma delas. Outra cena é a apresentação de Mama Morton, ela canta dentro da prisão e enquanto isso sua apresentação em um bar está sendo mostrada cantando a mesma música. Perfeito. 

Chicago é uma Obra de Arte que mereceu todos os prêmios que recebeu. Provou que a força dos musicais ainda é forte, mesmo que com o tão aclamado Moulin Rouge(2001) já tinha alcançado essa referência. E ainda conseguiu levar uma boa quantidade de pessoas ao cinema, já que os musicais é um gênero de filme que não agrada a todos, Chicago conquistou o público. Quebrou recordes e se tornou o 2º musical mais visto nos cinemas, atrás de Grease, até seu lançamento. Chicago tem todos os quesitos para um bom musical, é agitado, lindo na parte técnica, interpretações louváveis, direção super eficiente e o principal, músicas ótimas e que ficam na cabeça.

Nota: 8.5

por Andinhu S. de Souza

Amadeus (1984) de Milos Forman

Amadeus = Amado de Deus

Quando falamos que certo filme se trata sobre Música Clássica, logo vem ao pensamento, um filme tedioso, ou chato. Ainda mais quando tal filme tem 160 minutos. Preconceito que fez muita gente quebrar a cara. E confesso que demorei para assistir essa incrível Obra de Arte, por achar que se tratava da vida de uma pessoa na qual eu não sabia nada, e que eu deveria conhecê-lo antes de me aventurar em assistir sua biografia. Mas não sei o que me deu, quando senti uma grande vontade de assisti-lo. E eis que tenho uma das maiores surpresas que tive ultimamente. O filme me conquistou logo na primeira gargalhada.

E Amadeus é um filme que pode ser assistido por qualquer um. Tanto por um fanático por música clássica, quanto por um adorador de Heavy Metal. O filme tem uma simpatia e um senso de humor único, que contribui para todo o envolvimento com o espectador, mesmo conhecendo ou não as obras de Mozart. Adaptado por  Peter Shaffer a partir de sua própria peça, o filme contrapõe, de uma forma fictícia, a busca inalcançável de Antonio Salieri, o invejoso rival do compositor austríaco Wolfgang Amadeus Mozart, pelo reconhecimento musical. Além de expor as relações humanas, a ambiguidade do homem, sua capacidade de ter admiração e inveja ao mesmo tempo, Amadeus retrata o amor de ambos pela música.

“Eu matei Mozart. Eu matei Mozart”

Assim como abre a primeira cena do filme, Antonie Salieri é conhecido por recitar tal frase, mas que ao certo, ninguém pode comprovar. E após uma tentativa de suicídio, o personagem é levado à um asilo, onde recebe a visita de um Padre. Depois de relutar, Salieri começa então sua “confissão” ao Padre e o espectador é levado à cada momento presenciado por ele. Questionando à Deus, Salieri se perguntava como um talento musical primoroso foi dado a um jovem brincalhão, obsceno, risonho e sem modos como Mozart. O ódio começa a se manifestar e toda a admiração se transforma em inveja. Por que Deus abençoou Mozart com um dom que era pra ser meu? Um dom que eu saberia usar melhor, para glorificar o Senhor? a humildade já não estava mais com Salieri e este começa a destruir todos os caminhos pelo qual mozart andava.

O Filme mostra a paixão pela música de uma forma única e fascinante. É de conquistar qualquer um. Como eu disse, o filme debate sobre vários assuntos, mas sem deixar de lado o principal, a música. Começamos sem ao menos saber quem é Mozart e terminamos querendo ouvir todas as sua sinfonias. E relatando sobre o amor dos dois personagens, tanto Mozart quanto Salieri, e como a música fazia parte da vida de todos. Todos adoravam a música. E não era preciso uma palavra sequer para demonstrar isso, graças a incrível direção de Milos Forman, que dava vida à música através dos personagens, sem esquecer nenhum dos lados. Ao escrever as músicas, por exemplo, o som impetuoso da melodia rondava a mente de Mozart, que a imaginava, antes mesmo de tocá-la.

Milos Forman mostra uma competência rara, ao criar uma cinebiografia de um dos maiores gênios da história da música, de forma fictícia. Claro que Salieri não foi aquele cínico e não é a inveja em pessoa. E muito menos o “Pai da Mediocridade.” Trazer toda essa história para dentro da vida de Mozart afim de expor o seu amor à música e sua trajetória, foi coisa de gênio.

Seria um grande abuso escrever sobre Amadeus e não mencionar as interpretações antológicas de F. Murray Abraham (Salieri) e Tom Hulce (Mozart) ambos indicados ao Oscar, sendo que o premiado foi Murray, que construiu um dos maiores vilões da história do cinema e digo isso com os pés no chão. Não existe palavras pra descrever o quão perfeita é sua cara de cínico, de invejoso e ao mesmo tempo a sua cara de pena. Destaque para as cenas da confissão. Ele a faz com tanta força de expressão, com tanta sinceridade, que dá ao seu personagem uma caracterização única. Tom Hulce é digno dos mesmos elogios. É a simpatia do filme. Aquela risada não me saia da cabeça (não sei se foi apenas uma caracterização do personagem ou se mozart realmente ria daquele jeito). As expressões de paz de felicidade ao compor ou ao tocar alguma música, expressa exatamente a paixão de um músico pela música.

“Perfeita” seria uma palavra muito simplória para resumir a grandiosidade desta Obra-Prima que venceu 8 Oscar e mais de 30 prêmios internacionais. Incrivelmente tudo funciona neste filme. Até mesmo quem mais odeia música clássica, deve concordar com isso. Milos Forman cria uma obra onde tudo se destaca e não sobra nada pra ser esquecido, desde a Trilha Sonora aos figurinos e ambientação da época, tudo, tudo, tudo deixa o espectador vidrado. A cena onde no leito Mozart compõe junto com Salieri o Réquiem, já é clássica e única. A inveja sendo vencida pelo amor à música.

A inveja sendo vencida pelo amor à música. Uma das cenas mais lindas e mais poéticas do Cinema.

Nota: 9.0

por Andinhu S. de Souza

Jets X Sharks – 15 Minutos de Duelo Ensaiado

Amor, Sublime Amor (1961)

Apesar de não ter me identificado com a história de amor superficial, baseada no amor de Romeu e Julieta, que envolve os personagens principais em Amor, Sublime Amor (1961), não posso negar que o filme possui números musicais incríveis. E esta cena, o primeiro número múscial, já abre o filme de maneira excitante, com 15 minutos de pura dança, coreografias e cores fortes, com a movimentação de câmera por cima da cidade de Nova Iorque. Sem nenhum diálogo, acompanhamos as duas gangues de Nova Iorque se enfrentando através da coreografia. Os americanos Jets e os porta-riquenhos Sharks. E o musical não é aquele de um número só. A cena da briga entra fácil para a lista de melhores números musicais do filme, incluindo também a múscia “América” (minha preferida do filme) que apresenta uma forte crítica ao lugar. Pra quem gosta de musicais, assistir todo aquele alinhamento  e sincronismo juntamente com cenas que percorrem o filme, Amor, Sublime Amor é uma boa pedida. Tecnicamente muito bem realizado, músicas boas, e é um filme com crítica forte.

Avaliação do Filme: 6.5

por Andinhu S. de Souza

A esquizofrenia de Moulin Rouge e a beleza arrebatadora do amor….

Um filme de história convencional, porém de narrativa escandalosa, doce e apaixonante. È sobre um amor proibido. Ela, materialista, acredita que os diamantes são os melhores amigos das mulheres, enquanto ele prega que todos precisam do amor. Qual ideal prevalecerá? Eu aposto no segundo.

Um hino ás cores, a beleza da verdade e a liberdade do amor. Moulin Rouge é uma celebração á beleza, que não despreza o esquisito e nem o grotesco, (note os estranhos coadjuvantes) a beleza está na verdade e no amor, e não nos atributos físicos ou no glamour.

As cores saltam da tela com uma energia impetuosa que envolve o espectador, o faz dançar, cantar, sorrir, amar e sentir as paixões, dores, desejos e amores de cada personagem, tudo pintado de modo vibrante na tela, sempre abusando do vermelho.

Os atores se mostram apaixonados por seus personagens, Kidman sexy, frágil ao lado do seu amor, forte ao lado dos outros homens, e sempre deslumbrante; McGregor sempre carismático e sensível.

Uma celebração ao mundo dos espetáculos, o show que não pode parar. E não para mesmo, se transforma e continua sempre extasiante. A trilha sonora totalmente descompromissada com a época da trama é uma verdadeira mistureba, e das mais criativas, do arranjo ás interpretações. Músicas populares de Madonna á Elton John passando por David Bowie, todas orquestradas e conduzidas de maneira brilhante.

O trabalho artesanal é extraordinário, os cenários, os figurinos, um visual lindo de ver, mas lindo ainda pra sentir. Outro ponto de destaque é como o diretor mescla o humor e tensão de forma primorosa.

O diretor Baz Luhrmann, totalmente esquizofrênico, comprova seu talento ao esbanjar seu estilo exagerado e berrante, em conduzir uma narrativa de ritmo alucinante para mostrar toda adrenalina que o amor provoca. No final, um sorrisão besta na cara, e um pulsar descontrolado no peito.

Dedico esse comentário ao meu amigo Luiz Diogo que sofre uma paixão platônica por Nicole Kidman e que tem como Moulin Rouge seu filme preferido. Abraço Dih!!

Escrito por RoDolFo. Nota 9/10.

Os Homens Preferem as Loiras (1953) de Howard Hawks

“Os Homens Preferem as Loiras” é uma comédia/musical surpreendente, extravagante e hilária, feita de pura magia e maneirismo cinematográfico. Um olhar irônico sobre o materialismo e a caça a fortuna. Assim como nossas duas musas, o filme oscila entre o normal e o extravagante, sofrendo e destruindo a banalidade.

Marilyn Monroe com sua presença sexualmente explosiva é um ponto alto de cada cena, com seu charme selvagem [como mesmo diz o garoto bizarro que arranca gargalhadas com suas estranhas aparições]. Lorelei [Monroe] não tem medo de misturar sonhos fúteis e sentimentais tudo com um significativo sarcasmo, uma mulher detestavelmente glamorosa e materialista, seus conceitos repugnam, mas é impossível não se envolver com sua personagem eroticamente poderosa e manipuladora, incrivelmente burra e sagaz. Já Dorothy [Jane Russel], rígida no modo de agir e pensar, fiel á seus conceitos, só deseja viver um amor sincero. As duas formam um dueto perfeito, tanto no erotismo como no timing cômico.

Há vários momentos inesquecíveis, como o número musical que impõe que os diamantes são os melhores amigos das mulheres, há outro número bastante interessante, “When Love Goes Wrong” que mostra a essência do filme que é extravasar em meio á banalidade. A seqüência mais embasbacante é quando, no tribunal, Doroty faz uma imitação intrépida de Lorelei, perfeitamente hilário.

Mesmo em momentos em que o filme mergulha num mundo totalmente feminista ainda se torna interessante pela sensualidade das protagonistas e pelos temas tão atuais. Um filme cínico e irônico, sobre duas musas que em viagem para a Europa, expõem seus ideais moralmente confusos. Deslumbrantemente vulgar, por vezes exagerado ou estranho. Capitalista e antológico.

Escrito por RoDoLFo. Nota 9,5.