Perfume de Mulher (Martin Brest, 1992)

Sabe porque o carro está pesado? Por que você carrega o mundo nas costas.

Frank Slade – personagem que deu à Al Pacino seu primeiro e demorado Oscar – foi sem dúvidas um dos mais marcantes de sua carreira. Ele é um coronel cego, arrogante, prepotente e muito sarcástico. Ele é perito em descobrir os perfumes das mulheres somente sentindo o cheiro e a essência, não resiste em dar um belo de um elogio a qualquer rabo de saia, e pretende ir para Nova Iorque a fim de viver um inesquecível fim de semana. Charlie Simms (Chris O’Donnell), jovem de bem, de caráter e sonhador, é contratado para o acompanhar, mas o que ele não sabe é que o tenente pretende se suicidar.

Lendo este pequeno parágrafo acima, é de se imaginar as grandes lições de vida que percorrerão por este feeling good movie acima da média, refilmado do clássico italiano de 1974 dirigido por Dino Risi. Todos nós gostamos de um filme que nos emocione, não é verdade? Perfume de Mulher é um filme certeiro. Dirigido com bastante sensibilidade por Martin Brest, esta espécie de road movie é preenchido por momentos agradabilíssimos, antológicos até, executados por atuações sinceras, diálogos fortes e cenas que dificilmente sairão da cabeça, fazendo com que as longas 2h e meia passem voando. O vínculo entre os dois protagonistas estabelecido pela direção de Brest é o ponto chave para as belas mensagens da obra, sobre amizade principalmente. Essa relação entre Charlie e Slade é, sobretudo, a mais bela de todas. Há um momento de tensão na hora da execução do suicídio onde Slade descobre ter um amigo, que se importa com as mínimas coisas que ele fazia. Passagem belíssima.

Percebe-se o estado emocional de Slade logo em sua primeira aparição. Sentado, ele não é muito receptivo com Chris, que estava em busca do emprego, sua arrogância e sarcásmo assusta o rapaz. Mas ao olhar bem ao fundo de sua expressão, vê-se uma certa solidão, um vazio, um desprendimento à família ou à qualquer bem que ele poderia ter, se é que isso importava pra ele, principalmente quando contava com orgulho sobre sua passagem pela guerra. Ao desconfiar do suicídio, Charlie se vê na obrigação de fazer o novo amigo ter novamente a paixão pela vida, o que não será fácil. Nesse meio termo, Perfume de Mulher proporciona momentos belíssimos como a inesquessível cena do Tango, tensas como a reunião em família, onde vem à tona grande parte dessa desistência da vida, vibrantes como a da Ferrari, e extremamente emocionantes como a do suicídio.

Al Pacino já teve performances melhores. Talvez o maior problema sejam os momentos que soam superficiais, gritos e berros que saem sem necessidade, mesmo levando em consideração seu posto como Coronel, haviam momentos forçados demais. Digo isso mesmo sendo um dos maiores fãs do ator. Mas não resta dúvidas que Frank Slade é talvez seu grande personagem. Ele sentado naquele sofá em sua primeira aparição, colocando o rapaz pra correr com suas palavras ásperas e duras já foi o suficiente pra me conquistar. O que dizer quando ele solta um forçado e sarcástico “Há!” nas mais indevidas situações? Chris O’Donnell não teve um papel muito fácil, afinal contracenar com um Al Pacino grosso e arrogante é ainda mais difícil, mas o rapaz transborda simpatia, convence e entrega uma atuação bela e emocionante, do jeito que o filme precisava.

Brest consegue mesclar a tensão presente em toda a trama com momentos de pura descontração e diversão, mas exagera um pouco no final didático e súbito. O Diretor deveria escolher um outro modo de contar as subtramas que envolvia o colégio de Charlie. As lições de caráter e moral ficaram muito cafonas e o discurso final é cheio de sentimentalismo piegas, extremamente clichê, e desmorona o desfecho que só é salvo pelo último diálogo em que Slade elogia uma mulher e diz que sabe onde encontrá-la só de sentir a fragância de seu perfume.

Nota 6.5
por Andinhu S. de Souza

Contágio (Steven Sderbergh, 2011)

Uma pequena surpresa.

Steven Soderbergh nunca me chamou muita atenção e confesso que não tenho o conhecimento necessário de suas obras, tendo assistido apenas Traffic, fraquíssimo por sinal. Não é um diretor muito badalado, mas sempre trabalhou com bons atores e já levou uma Palma de Ouro em Cannes pelo seu cultuado filme de estréia Sexo, Mentiras e Videotape (1989) e um Oscar (injusto, claro) por Traffic, onde no mesmo ano também concorria por Erin Brockovich – Uma Mulher de Talento (2000). ‘Contágio’, porém, exibido no Festival de Veneza, surge como uma boa surpresa, com um tema batido mas transformado num debate contemporâneo e muito interessante.

Com um texto tão interessante como o do roteirista Scott Z. Burns, ‘Contágio’ poderia dar vôos mais altos se outro diretor tivesse assumido a empreitada. ‘Soderbergh’ limita o próprio filme ao embalá-lo como um produto comercial quase igualando-o aos inúmeros filmes do gênero já esgotado, parecendo ter medo de decepcionar a grande massa de espectadores. Uma hora é a trilha sonora de Cliff Martinez que surge em momentos inapropriados, em outra é o mesmo clima apocalíptico das ruas com pessoas quebrando vitrines e ateando fogo em carros, em outra é o drama familiar clichê, e por fim, o final desnecessário e que subestima a capacidade do espectador em mastigar o filme nos mostrando-o sendo mastigado. O final talvez não seria um problema, afinal não haveria nada demais em saber a origem do tal vírus, mas Soderbergh não sai do convencionalismo e de forma gratuita inicia o filme com o 2° Dia para no final satisfazer o público dando um explicação plausível da origem do vírus.

Assim, ‘Contágio’ afigura-se mais à um filme empacotado, certinho e aprazível do que um filme crítico e com muito mais a dizer do que um bando de médicos que descobrem a cura para um vírus letal. Até porque a premissa é muito boa e é justamente o texto em que ela se encaixa que o filme se sobressai. Imagina um vírus altamente contagioso que se alastra pelo planeta em pouquíssimos dias e que é capaz de dizimar a raça humana em poucos meses. Esqueça cenas de ação, doentes ou zumbis correndo e atacando outras pessoas, e também não pense só em cidades abandonadas, e todo aquele caos apocalíptico, imagine agora o caos entre a classe jornalística, a ciência, a mídia, o governo e a sociedade no meio de uma situação destrutiva como esta. Esse é o ponto mais interessante de Contágio, e é onde vemos mais acertos. Por mais que esteja estampado em nossas fuças o que o homem é capaz de fazer para o próprio benefício, é assustadora e revoltante a forma como nos é passado no filme (Tropa de Elite 2 é um grande exemplo).

‘Alan Krumwiede’ (Jude Law) que é o personagem mais interessante do longa, é um jornalista que quer lucrar e se beneficiar com esse caos mundial. Possui um blog na internet e acredita que criou uma cura natural para o vírus. ‘Dr. Leonora’ (Marion Cotillard) faz parte de uma organização mundial de controle de epidemias e é enviada para Hong Kong para pesquisar a origem do vírus. ‘Dr. Cheever’ (Laurence Fishburne), ‘Dr. Mears’ (Kate Winslet) e ‘Dr. Hextall’ (Jennifer Ehle) são médicos de Centro de Controle de Doenças dos EUA, e estão em busca de informações sobre o vírus, pistas de sua origem e uma possível cura. E o casal ‘Mitch’ (Matt Damon) e ‘Beth Emhoff’ (Gwyneth Paltrow) são talvez os protagonistas desse amontoado de personagens. Beth foi talvez a primeira infectada e morre após uma convulsão súbita. Não existe grandes momentos para se explorar melhor a cada personagem. Cotillard praticamente desaparece na metade da projeção, Damon fica em segundo plano, Paltrow fica poucos minutos em cena e só aparece em mais alguns flashes de sua ida ao Japão, Dr. Hextall ganha mais importância na segunda metade em função das possíveis descobertas da cura. A estrutura narrativa as vezes se quebra por descuidados como este, mas soderbergh ainda leva o filme de forma interessante, e digo sem receio, que foi do início ao fim.

Esse conjunto de personagens até ajuda da criação do debate promovido pelo filme. Todos estão diante da situação mundial, e cada um reage a ela da sua maneira. O governo que quer omitir os fatos para a população, o jornalista que não para pra pensar que a raça humana está morrendo e que não está vivendo num videogame, e só pensa em promover sua “falsa cura” pois acredita que o governo manipula a mídia e principalmente, dentro desta situação, a indústria farmacêutica que está sendo controlada por eles para não venderem curas falsas. Enquanto isso, 2,5 milhões de pessoas já morreram nos EUA em poucos dias, e como fica a sociedade numa situação dessas? Ninguém pode ter contato com ninguém, as pessoas estão abandonando suas casa e migrando para outras cidades, supermercados estão sendo arrombados e saqueados, farmácias com filas imensas em função da falsa cura publicada pelo jornalista na internet, galpões e mais galpões sendo ocupados por doentes, cobertores em falta, e políticos e médicos sendo sequestrados e chantageados quando a cura é criada. Um verdadeiro caos universal. Seria os ricos os primeiros a receberem a cura?

Eu prefiro enxergá-lo como um ensaio de uma situação como esta. Espere um filme sobre como o mundo reagiria se houvesse uma epidemia de proporção mundial e como agiriam os bastidores (Política, jornalismo, mídia, Medicina) dessa crise. Tem os seus excessos principalmente ao ego americano que no final é como um grito “EUA salva o mundo”, os draminhas típicos como a médica recebendo uma lição do pai contaminado em cima de uma cama. A linguagem é interessante com citações da Gripe Espanhola e Gripe Suína, com explicações relevantes de alguns pontos medicinais como o tempo em que se leva pra criar vacinas para uma determinada população contaminada. É um tema que não agrada a todos e por conta disso tem tirado a paciência de muitas pessoas que o julgam por ser chato, por isso o mais aconselhável é que a pessoa procure se envolver, é um assunto atual e envolvente, a não ser que você procure cenas de ação alucinantes ou sangues de zumbis por todo lado etc…aí não tem jeito.

Só não sei se realmente esse Departamento de Doenças sabe quando uma pessoa do outro lado do mundo morre de convulsão, uma doença que acontece no mundo inteiro, e se realmente desconfiam de um vírus por causa disso.

Nota: 7.0
por Andinhu S. de Souza

O Garoto da Bicicleta (Jean-Pierre Dardenne e Luc Dardenne, 2011)

O amor não correspondido. E pior, de um filho pelo pai.

Esse novo filme dos irmãos ‘Dardenne’, vencedor do Grande Prêmio do Juri em ‘Cannes’, pode levar a crer que seja um filme feliz, gostoso, e emocionante (principalmente em função do cartaz). Muitíssimo pelo contrário. Os Dardenne traçam a trajetória do menino ‘Cyril’ de maneira crua e muito forte. Cheguei a pensar em parar de assisti-lo duas vezes. Cyril está longe de ser um menino bonitinho e engraçadinho que conquista o público com um primeiro olhar. Sua desesperadora busca pelo pai, que o deixou em um orfanato dizendo que seria por um mês até conseguir dinheiro para o sustento dos dois, o transforma num garoto rebelde, agressivo, e desacreditado devido às respostas negativas de sua busca. O foco narrativo de ‘O Garoto da Bicicleta’ gira em torno da crise familiar e desse comportamento instável do jovem rapaz que só quer viver com seu pai e ter de volta sua querida bicicleta.

A câmera dos Dardenne é um dos elementos primordiais para entrarmos a fundo nas crises internas do personagem. É possível até mesmo sondar o interior e os sentimentos do garoto durante suas decepções. Para isso, os diretores constroem cenas bem simples, em lugares urbanos, quase sem o auxílio de trilha sonora, primordial para as suas ideias, mas de uma carga emocional tão pesada, tão dramática que é quase impossível ficar indiferente diante do que está acontecendo frente aos nossos olhos. ‘Guy’, interpretado por Jérémie Renier, parceiro dos irmãos diretores, é o pai de Cyril. O cara some do mapa, não telefona para o filho, e muito mesmo lhe dá sinal de vida. O garoto, com a promessa de voltar pra casa após um mês, foge do orfanato em busca do pai, mas é recolhido de volta. Nessa tentativa frustrada, ele conhece ‘Samantha’, a bela Cécile De France que parece ser a luz e a bondade em pessoa. Samantha o adota durante os fins de semana e lhe ajuda em sua busca pelo pai, até porque Samantha aparenta ser uma figura que almeja uma responsabilidade materna. Lembra muito Maria de Medeiros no filme nacional O Contador de Histórias.

Desde o início, o filme parece ter um objetivo muito firme e é trabalhado de forma sutil conforme a crueza e agressividade das cenas e do trágico caminho trilhado por Cyril. Sempre correndo, ou pedalando, Cyril tenta de todas as formas se reaproximar do pai, o que o faz aceitar a participar de um assalto. A longas cenas também é uma grande aliada à narrativa envolvente do filme. Nunca sabemos o que vai acontecer e nosso interesse para com a situação se mantém, como na cena da conversa com o rapaz traficante. Não se sabe a verdadeira intenção do rapaz, se é estuprá-lo, matá-lo por ter agredido um de seus amigos, ou o que seja. Cenas filmadas sem movimentos, apenas focando a situação, ou as expressões do garoto montado na bicicleta ao voltar do restaurante do pai, por exemplo, junta todo tipo de sentimento após levar um baque como aquele.

Cyril por vezes beirava o insuportável, (confesso!) ao se mostrar um garoto extremamente autoritário e rebelde daqueles que nos faz pensar que uma boa surra daria jeito, e a grande atuação do menino Thomas Doret humaniza o rapaz e o torna o alvo do individualismo moderno, da sociedade não altruísta e sem amor. Samantha é quem vê em Cyril um rapaz que necessita de amor e cuidado e principalmente de uma infância saudável, longe das más companhias, e de um lar unido como qualquer família precisa. Na verdade é esse dever ou desejo materno que dá forças à Samantha para suportar um menino tão rebelde e difícil. Os Dardenne pode se perder no caminho ao levantar o dilema entre Samantha e seu companheiro no velho “Eu ou ele”, ou na mudança quase brusca sofrida pelo menino a partir do terceiro ato, quando subitamente deixa de ser o agressivo marginal em construção para se tornar um garoto doce e dedicado à guardiã. Mas não afeta o filme ao todo. Ou quase nada!

O Garoto da Bicicleta não é um filme fácil. Esses temas de relações familiares, de pais e filhos na maioria das vezes me arrebatam. Os diretores não limitam suas agressividades e filmam cenas fortes e de estilhaçar o coração. Inaceitável ver um filho ser rejeitado pelo pai como na primeira cena do restaurante, onde ouve do próprio pai que não irá mais ligar e que não quer mais o ver. Mais triste ainda é a segunda cena do restaurante. Frustrado, o menino vai embora, e uma trilha sonora de no máximo 15 segundos que é capaz de nos jogar no chão.

Nota 8.0

por Andinhu S. de Souza

 

50% (Jonathan Levine,2011)

Porque sem o humor a vida  é insuportável. 

Este filme definitivamente surgiu pra ser, desde já, uma referência de como trabalhar com comédia e drama dentro de um assunto tão terrível e difícil como o Câncer. Levemente baseado na vida do roterista Will Reiser, 50% fará você rir de situações as quais foi ensinado a chorar. Claro que, quando falamos de câncer, um das principais causas de morte no mundo, as pessoas o vêem como algo totalmente irreversível e destrutivo. E a indústria cinematográfica, na maioria das vezes o usa para promover lições de auto-ajuda, ou levar a platéia aos prantos com uma história triste, de superação, de volta por cima, ou com personagens que, na forma mais artificial possível, procuram entender o significado da vida e esses blá blá bla’s. Esqueça tudo isso. 50% é uma nova forma de enxergar a vida e principalmente o câncer. 

O objeto do diretor Jonathan Levine é Adam (Joseph Gordon-Levitt), um rapaz de 27 anos que não fuma, espera o sinal abrir pra atravessar a rua, vive uma vida normal e em um dia qualquer é diagnosticado com um Câncer raro na coluna, tendo 50% de chances de sobrevivência. Como nossa vida é incerta, não? É interessante que o espectador dê toda atenção a este personagem e que consiga captar todos os seus detalhes, pois Adam possui um estudo de personagem extremamente funcional para a premissa do filme. Seth Rogen interpreta seu melhor amigo, e é a companhia de todas as horas. É extremamente o oposto de Adam e faz o estilo politicamente incorreto.

Interessante é ver que Adam não se desespera ao saber da notícia, já que se sentia completamente normal. Ao contrário da mãe (Anjelica Huston) que sente a necessidade de transbordar proteção. De forma extremamente cativante e gostosa, acompanhamos essa jornada e essa visão inusitada sobre a doença e o modo como lidar com ela. É justamente neste ponto que Lavine traz a tona o grande diferencial do filme. Adam está ali como um “novato” e inexperiente com relação a doença como qualquer um que já passou pela mesma situação. Ele aceita sua posição de doente, vai às quimioterapias, consultas terapêuticas, raspa a cabeça, agindo de forma fria, até, ao mesmo tempo em que seu silêncio demonstra preocupação. E nessa nova vida e rotina, seus olhos passam a perceber o quanto a sociedade é desesperançosa e impaciente. Ele agora está vendo a doença e seus desafios de perto. Pessoas do trabalho já estão lhe dando adeus, dizendo que irá sentir muita sua falta, outros lhe sugerindo um último desejo, enfim…a sociedade sempre viu o doente como um inválido, e uma doença perigosa como um caso perdido.

Todos os personagens são preenchidos por estudos competentes. A mãe que já tem um esposo que sofre de alzheimer e agora um filho com câncer, que ainda abalada emocionalmente, não mede esforços pra protegê-lo, a namorada Rachel (Bryce Dallas Howard) que não aguenta o fardo da situação mesmo gostanto de Adam, a terapeuta Katherine (Anna Kendrick, lembrando muito seu personagem em Amor Sem Escalas, 2009), inexperiente, mas que abraça totalmente a causa de Adam atendendo-o mais como Amiga/Paciente, o que acaba a tornando a fuga de Adam. E resta o Kyle, o amigo de todas as horas, que não guarda palavras, que quer fazer o amigo aproveitar os últimos tempos que ainda lhe resta, lhe apresenta mulheres e usa sua doença pra marcar encontros. É um personagem adorável, que levanta o astral do filme, e que por vezes me fez perguntar a mim mesmo se eu teria um amigo que faria tudo isso por mim. O ponto alto do filme é quando o personagem desmorona emocionalmente e solta tudo o que vinha tendo forças pra guardar, deixando o espectador, que praticamente já está fazendo passeatas e mobilizações nas ruas pelo rapaz, num estado de emoções ferventes. O que sucede, é uma belíssima cena, diga-se de passagem, em que Adam encontra livro “Enfrentando Juntos o Câncer” no banheiro de Kyle, fazendo escorrer as lágrimas que ainda resistiam em descer. A amizade é sem dúvidas primordial na vida de uma pessoa. 

O humor conta principalmente com kyle e com suas ações politicamente incorretas, as vezes dotadas de humor negro, e por vezes, da mais pura inocência de alguém que não conhece o câncer mas quer apenas fazer seu amigo se sentir melhor. Depois de se emocionar e rir tanto, o final pouco importa. Morrer ou não, não fará o filme perder o brilho ou ser menos emocionante, afinal, se o personagem partir desta para melhor, deixou uma grande mensagem lá atrás e nos mostrou que estar doente não significa estar inválido ou perdido, nos mostrando que a vida é incerta, e que se deixarmos de rir ou aproveitá-la ela pode ser insuportável. Joseph Gordon-Levitt prova que está na safra dos melhores atores dessa geração. Apático, frio, triste e esperançoso quando tem que ser, mostrando uma versatibilidade competente para o personagem, que tinha sido recusado por James McAvoy. Anna Kendrick, uma doçura. e Seth Rogen fazendo o que faz de melhor. 

Sincero e sem apelar para o dramalhão novelesco (mesmo com a trilha sonora meio Indie, muito bem selecionada, por sinal), Jonathan Levine entrega, fácil, um dos melhores filmes do ano. 50/50 é honesto e, por vezes, difícil de assistir, mas nunca propositadamente áspero ou deprimente. Na verdade, é geralmente positivo, mas de uma forma que não seja tudo um mar de rosas. O final não poderia ser mais singelo. “E Agora?”

Nota: 8.0

por Andinhu S. de Souza

O Milagre de Anne Sulivan (Arthur Penn, 1962)

 

Se você precisa de motivos para assistir a esta Obra-Prima de Arthur Penn, são eles Anne Bancroft e Patty Duke. 

Interpretar Anne Sulivan é sem dúvidas um dos maiores desafios que uma atriz possa ter. Sulivan foi uma menina cega, e após cirurgias conseguiu reestabelecer certa parte da visão. Teve uma infância difícil, vivendo em asilos e instituições para doentes juntos com seu irmão também criança. Agora adulta, se tornou professora, e foi chamada para educar a menina Helen Keller. Agora imaginem como educar uma criança cega, muda, surda e, de quebra, com problemas mentais. Esse é o desafio de Anne Sulivan que além de ensiná-la como conviver socialmente, lhe ensinará acima de tudo o significado do amor, um sentimento tão abstrato, que até mesmo para nós com nossa visão e audição perfeita, é difícil de entendê-lo. 

Arthur Penn criou uma obra-prima inigualável, humana e devastadora. Grande direção de atores e uma maneira tão singela de construir a relação das protagonistas que pegam o espectador desprevenido. Helen Keller aprontando todo tipo de bagunça na sala na presença dos pais e da tia, jogando o berço do bebê no chão, perturbando a paz alheia, e quebrando objetos da sala. É nesta situação que seus pais, movido pela pena, sem mais o que tentar, pensam em interná-la numa Instituição para Doentes Mentais, até que a mãe intervém e pede ajuda a uma instituição educacional. É aí que entra em cena Anne Bancroft, que já chega roubando o filme pra si. Mostrar o desespero dos pais e a postura incorrigível da menina logo no início do filme para então colocar em cena a solução para este caos foi de uma grande competência de Arthur Penn. Claro que nós espectadores ficaríamos fervendo de curiosidade para saber como a professora se entrosaria com a aquela menina completamente mal educada, agressiva e que não entendia uma palavra. 

O filme vai se tornando cada vez mais poderoso o que faz ficar impossível de desgrudar os olhos. E depois desse evento podemos até prever um desfecho sentimental e previsível onde a menina fica curada e Anne Sulivan cumpre seu objetivo deixando aquela lição de moral sobre amar as pessoas e fazer o bem sem olhar a quem. É por aí que o diretor surpreende ainda mais nos dando um final absolutamente lindo e aparentemente não terminado, além de dar um desenvolvimento espetacular da narrativa do filme. O mínimo que possa ter atrapalhado foram alguns flash backs que ficavam sobrepostos no rosto de Sulivan enquanto ela imaginava sua infância. Pouco necessário e sem muita inspiração, quase sendo atropelando pelas próprias filosofias.

Com simples, porém grandes metáforas, como a de que “um pássaro precisa sair do casco”, o filme é uma triunfante batalha a fim de vencer os obstáculos que nos impedem de ver além dos simples olhos e entender que sem amor a vida é mais penosa. O sentimento de pena e o amor duelam durante a estadia de Anne na casa dos Keller. Tenho pra mim que a pena é um dos piores sentimentos que existem, e vemos em Helen que a pena não fez nada por ela. Seus pais não a amavam, mas sentiam pena, pena de verem a menina brincando sem ver os brinquedos, pena de vê-la chorando por causa de pirraça e lhe passar a mão na cabeça e lhe colocar no colo por achar que ela não tem mentalidade para entender o certo e o errado. Na verdade a menina nunca aprendeu. Cresceu fazendo o que queria. E Anne Sulivan é a grande chave para torná-la uma menina normal mesmo tendo suas deficiências, e ensiná-la a comer com garfo, dobrar o guardanapo, deixar de resolver tudo com agressividade, saber o que é água e principalmente o amor, seria algo praticamente impossível.

A fabulosa cena do duelo na mesa de jantar. 

É maravilhoso nos surpreender com filme que aparentemente são tão simples, ou aqueles que assistimos sem ter planejado ou ser surpreendido por atuações que nunca imaginaríamos ver nos cinemas. Arthur Penn dirige cenas tão poderosas que chegam a fazer rir e chorar. A primeira cena da mesa de jantar, por exemplo, tem efeitos distintos, nos fazem chorar, rir, se espantar, nos hipnotizar e nos perguntar como algo tão perfeito foi filmado. O método de ensino de Sulivan espantava, porém funcionava. Talvez fosse assim que ela havia aprendido quando estava na mesma situação. Quando as duas ficam sozinhas numa casa nas redondezas, as perguntas e curiosidades começam a surgir na cabeça do espectador: “E agora?” Estava cada vez mais difícil a convivência das duas e Sulivan já se tornara uma megera para Helen, a ponto de fugir de todo o lugar em que a professora estava.

Mas o ponto mais forte disso tudo, e que sustenta toda a força do filme são as poderosas atuações da dupla.Patty Duke, que venceu o Oscar por sua atuação, deu um show arrasador pra uma menina de apenas 16 anos na época. É sem dúvidas a melhor atuação infantil que já tive o prazer de ver. chega espantar a tamanha veracidade com que ela interpretava. Claro que no início do filme eu realmente pensei que a atriz fosse pelo menos cega. Anne Bancroft foi a razão por eu ter assistido o filme. Depois de ter chamado a minha atenção em A Primeira Noite de um Homem, obra-prima de Mike Nichols, se tornando uma das minhas personagens preferidas, (Amo a Sra Robinson) resolvi assistir o filme que lhe rendeu um Oscar. E pensar que o papel de Bancroft poderia ter ficado com Elizabeth Taylor ou Audrey Hepburn. Bancroft venceu o Bafta e o Oscar, no qual não pode comparecer na cerimônia para receber o prêmio. Sua atuação é uma das melhores do século passado, ficando atrás apenas de Gloria Swanson em Crepúsculo dos Deuses.

O Milagre de Anne Sulivan é sem dúvidas o melhor filme sobre cegueira. Por ser uma menina inteligente, Helen aprendia muito rápido mas não entendia o que estava aprendendo, ou seja ela só “imitava”. Através do tato, Anne e Helen desenvolvam uma seqüência de palavras associadas aos gestos das mãos. Toda essa trajetória é um retrato de como não sabemos lidar com a realidade de um ser humano com limites físicos e como a pena e o amor são sentimentos totalmente diferentes. A cena onde Helen aprender que água é água e finalmente pode entender o que significa a frase “Eu te Amo”, é um dos momentos mais humanos do cinema. Uma Obra-Prima humana e obrigatória a todo cinéfilo.

Nota: 8.5

por Andinhu S. de Souza

Nascido para Matar (Stanley Kubrick, 1987)

A Guerra do Vietnã, que teve início em 1959, terminou em 1975, e no final da mesma década o diretor Francis Ford Coppola realizou uma de suas grandes obras -primas, Apocalypse Now, ambientalizada neste período histórico, assim como O Franco Atirador, realizado um ano antes. Pode-se dizer que Nascido para Matar veio um pouco tarde. Veio até mesmo, depois de Platoon, que trouxe grande repercursão na época. Kubrick então, resolveu não fazer apenas mais um filme com cenas de ação e tiroteio, e trouxe mais uma faceta do mundo dos soldados de Infantaria do exército americano, debatendo sobre o horror e as conseqüências psicológicas causadas pela Guerra.

Quem assistiu Apocalypse Now ou os outros filmes citados, não vá pensando que ao assistir Nascido para Matar encontrará as mesma tomadas de ação alucinante, até porque isso é o que menos importa no filme. Claro que, Kubrick não abriu mão das cenas de ação, até porque, são exatamente em algumas delas que o diretor traz as suas polêmicas, e que por sinal não comprometem o filme em nada, afinal, é um filme de Kubrick, e as cenas de ação além de deixar o espectador ansioso, o faz pensar. E é essa toda a importância do filme. Um exemplo disso, é o início da projeção até mais ou menos seus 30 minutos. Se Kubrick terminasse o filme ali, como uma média ou um curta-metragem, não ficaria devendo nada, até porque são os melhores momentos do filme.

Nessa parte do filme, está o melhor estudo de personagem em meio a Guerra que o cinema já viu (ou que eu vi). Kubrick Começa o filme mostrando como a “carreira” dentro do exército começa. Um bando de jovens sem a menor noção de onde estão ou o que estão fazendo, acabaram de se alistar no Exército Americano. O título original do filme, Full metal jacket, que seria o nome de uma munição revestida por chumbo usada na Guerra, foi felizmente trocado pelo título Nascido para Matar, que traz exatamente o que o diretor queria dizer. Dessa vez eles acertaram. Uma das coisas mais legais é que o diretor não usou atores conhecidos. Praticamente todo o elenco é novato, e conseguiram dar um show. Até o olhar penetrante dos vândalos de Laranja Mecânica e de Jack Torrance (O Iluminado), Kubrick usou com alguns dos personagens. E desta, através deste olhar, mostrando a loucura psicológica que a Guerra pode causar.

- Entenderam, vermes?
- Sim, senhor!
- Uma porra, eu não estou ouvindo!
- Sim, senhor!
- Qual o seu nome, seu bosta?
- Soldado Brown, senhor!
O caralho, agora se chama soldado Bola-de-Neve. Gostou do nome?
- Sim, senhor!

Se tem algo que admiro no Kubkick é a sua forma descarada e sem medo, de apresentar suas críticas. E desta vez é sobre como são “fabricados” os soldados nos EUA. O filme já se inicia com a pressão psicológica pelas quais os jovens recrutas passam nas mãos do Sargento Hitman (deve ter sido uma das inspirações do Capitão Nascimento de Tropa de Elite), interpretado maravilhosamente bem por R. Lee Ermey. São xingados de tudo quanto é nome, agredidos fisicamente, obrigados a passar por um rigoroso treinamento físico, são desacreditados, são treinados pra serem destemidos, e para serem os “fodões” até provarem que se tornaram máquinas de matar. Cenas estas, que se tornam até engraçadas, mas que em dado momento paramos e nos perguntamos porque estamos rindo de algo tão sério. E logo na cena final desta primeira parte, mostra toda uma conseqüência, fechando um estudo de personagem impecável que o diretor criou.

- É você, John Wayne? Sou eu?
Quem disse isso? Quem disse isso, porra? Quem é o viado chupeteiro comunista que acaba de assinar sua pena de morte? Ninguém, hein? Foi a puta da fada madrinha! Maravilha! Eu os farei treinar Até morrerem!
Até a bunda de vocês virar manteiga!
- Foi você, seu merdinha?
- Não, senhor!
Seu merdinha, você parece um verme!
Aposto que foi você!

A segunda parte do filme é mais um alívio emocional e Kubrick nos leva ao combate, com o personagem Joker, que se tornou Soldado e está trabalhando na equipe de jornalismo do Exército. E é ai que o roteiro genial de Kubkick entra em ação. Roterio esse que obteve a única indicação do filme ao Oscar. A Academia odeia o diretor, só pode. Percebam os diálogos entre os soldados e as sacadas geniais de Kubrick nesta segunda parte do longa. Só pra citar um exemplo, a cena em que Joker tenta explicar para o sargento o porque tem um capacete com a frase “Burn to Kill” e no seu peito tem um broche da paz. Ele diz que representa a dualidade do homem. E é na cena final que mais uma vez vemos a genialidade de Kubkick. Ele deixa a peteca na mão de Joker, o personagem que tanto falava sobre a dualidade do homem. De que lado ele devia estar naquele momento? E mais uma vez, outra sacada genial de Kubrick, onde nesta cena ele movimenta a câmera, escondendo o broche da paz e deixando visível apenas o capacete “Burn to Kill”.

Vemos que o homem tem a suas escolhas e que ninguém nasce mau ou bom. Aprendemos a ser de qualquer jeito através da sociedade. E o que a guerra significou para esses soldados, foi apenas com aprenderam a ser desumanos. Os soldados têm a opção de deixar viver ou não alguma pessoa, mas é o modo como foram “criados” que determinará a sua escolha. Kubrick não desceria tanto o nível, para criar apenas mais um filme de Guerra. Até mesmo a Disney ele provocou, quando colocou a Trilha do Clube do Mickey Mouse na cena final com as tropas marchando. E para aqueles que o subestimam e que apenas conhecem 2001 e Laranja Mecânica, Nascido para Matar é mais uma Obra-Prima da filmografia invejável do diretor.

por Andinhu S. de Souza

Nota 8.5

Reencontrando a Felicidade (John Cameron Mitchell, 2010)

Bom drama com Nicole Kidman chega com enorme atraso nessa Sexta-Feira nos cinemas nacionais

Nicole Kidman após o fraquíssimo Nine, no qual ela está praticamente apagada, se ascende novamente e consegue com sua atuação elevar o nível dramático deste drama sobre perdas familiares. Reencontrando a Felicidade vem com uma premissa simples e despretensiosa onde não quer nos mostrar como enfrentar certas perdas ou o que fazer numa situação parecida. O diretor John Cameron Mitchell opta por mostrar nos personagens que certas dores ou perdas não tem solução ou que nada pode sarar uma dor interior como a da personagem.

O filme é um drama delicado, que lida com a situação emocional dos personagens. No caso, Becca (Nicole Kidman) e Howie (Aaron Eckhart), que perderam seu filho de aproximadamente 4 anos, num acidente de carro, em frente sua casa. Vemos a sutileza do diretor ao criar um drama sólido, sem muitas explicações, e até mesmo sua delicadeza em tratar do assunto. Sabe quando queremos aconselhar uma pessoa numa situação difícil, uma morte dentro da família, por exemplo, e temos aquela expressão cabisbaixa ou acanhada em chegar até ela e lhe dar algum conselho, e até mesmo evitamos tocar no assunto? É assim que Mitchell lida com o estado emocional dos personagens.

Nós sabemos que Becca e Howie estão num estado de espírito frágil, mas não porque vemos toda uma encenação comovente (uma cena de atropelamento ou enterro, por exemplo), mas vemos um certo respeito do diretor em não tocar no assunto, como se estivesse querendo passar por cima desse momento difícil. A todo momento o filme segue com uma carga dramática, com os personagens sem muitas perspectiva de vida, com a dor insuportável de ter que ver o filho em todas as partes da casa, o quarto, os brinquedos, os vídeos no celular, sabendo que nada o trará de volta.

E esse foi um dos grande méritos do diretor, como eu já havia dito, em trazer um drama que não nos trás soluções mas que nos mostra que esse tipo de dor não cicatriza, mas a gente aprende a conviver e a controlá-lá . E é o que mostra a personagem de Dianne Wiest, a mãe de Becca, que de maneira segura, rouba a cena. Ela perdeu o filho há 15 anos e nem por isso cicatrizou a dor de sua perda, mas ela aprendeu a conviver com ela. Tudo muda para Becca, quando ela conhece Jason, o jovem que estava dirigindo o carro que atropelou seu filho. Não precisou de diálogos apelativos pedindo perdão ou explicando tudo o que havia ocorrido. A sutileza do filme em tratar do tema se encontra até mesmo nos diálogos, principalmente nos momentos em que eles estão na praça. A imagem de Jason ajudará Becca a tentar amenizar sua dor e não um pedido de desculpas que resolverá todo o problema. Becca encontra nele, um suposto apoio emocional.

Quem não ficaria com o coração apertado ao assistir a tocante cena do supermercado? Nicole Kidman foi a perfeita escolha para o papel. Não só ela brilha, mas também Dianne Wiest roubando a cena, com um personagem inspirador, e Aaron Eckhart que junto com Kidman consegue criar a carga dramática essencial do filme, onde é justo citar a incrível discussão entre o casal por causa dos vídeos do celular. Mitchell constrói um filme seco, bem dramático, onde não vemos felicidade e só resta a expressão caída dos personagens. Conduz tudo de maneira calma e segura, sem apresentar situações forçadas, evitando até mesmo de mostrar a cena do atropelamento, apenas mostrando o cotidiano de pessoas convivendo com a dor emocional. É um filme que será bem mais sentido por aqueles que já passaram pela mesma situação. Ou então ficará a sensação de um filme terapêutico e de auto-ajuda.

Nota: 6.5

por Andinhu S. de Souza

Mother A Busca pela Verdade (Joon-ho Bong, 2009)

Mesmo com um filme B de suspense/terror, o cultuado diretor Coreano Joon-ho Bong abordou de forma sutil a relação familiar de seus personagens e mesmo esse não sendo um dos principais temas do seu excelente O Hospedeiro, o diretor conseguiu deixar evidente uma relação familiar positiva entre os personagens centrais. E em Mother – A Busca pela Verdade é que o diretor tem mais liberdade para explorar o tema trazendo-o como o assunto principal do longa. Desta vez é corrida de uma mãe em busca da verdade sobre o crime que condenou seu filho com problemas mentais à prisão. Pode parecer clichê e obviamente previsível o fato de que um rapaz com distúrbios mentais, fragilizado e indefeso sempre ser o alvo para as acusações dos crimes ocorridos. Até porque o rapaz estava na cena do crime, e as maiores suspeitas se direcionavam a ele. Com perda de memória, uma mentalidade ainda muito infantil pra perceber a seriedade da situação, ninguém disposto a ajudar a procurar o verdadeiro assassino e a polícia sedenta para fechar o caso e dá-lo com culpado. É assim que a mãe, desesperada e ciente da inocência do filho, decide ir em busca do assassino.

Como eu disse, lendo um simples resumo logo nos vêm a cabeça uma história clichê e de primeiro ato, previsível. Mas é aí que entra a bilhante direção de Bong e o roteiro muito bem escrito por Eun-kyo Park, Bong, Wun-kyo Park. Podemos até saber a verdade sobre o caso, mas o diretor lança tiradas bastante espertas em um roteiro que aos poucos vai se tornando cada vez mais imprevisível, anulando todas as nossas versões. E é isso que torna a experiência diferente, emocionante, e a sensação de clichê se torna nula.

Desde o início acompanhamos a afinidade entre a mãe e o filho de aproximadamente 28 anos. Muito carinho, muito cuidado, muita atenção e até paparicos é o que o filho recebe da mãe com um coração enorme. A atenção e cuidado com o filho é redobrada pelo fato de ele ter problemas mentais e por vezes não saber se virar sozinho. Esse talvez possa ser um dos grandes triunfos do diretor para exagerar no comportamento da mãe, após a prisão do filho. O que uma mãe é capaz de fazer pelo filho nunca é visto de um nível limitado. Tudo é possível, tudo pode acontecer, tornando-a insana em certos momentos, travando uma batalha psicológica quando os fatos começam a vir à tona, tornando-a cega para os fatos e de certo modo, obcessiva pela inocência do filho, levando o filme a um clímax de extrema inquietação.

A resolução do caso pode ser visto como uma decepção já que poderia resultar em um desfecho mais imprevisível, mas como eu disse, o que torna o filme um delicioso thriller de investigação é o seu desenvolvimento e o modo como conduziram o filme ao desfecho já esperado. E isso inclui as sacadas bem legais do diretor, um exemplo é quando volta a memória do filho quando ele era criança, ou como tudo vai se encaixando até o final e por isso não decepciona. (Não quis entrar em detalhes sobre o assassinato para não estragar a experiência de quem estiver lendo).

Mother – A Busca pela Verdade fez uma grande falta na lista do Oscar e outros prêmios internacionais tendo mais visibilidade nas premiações asiáticas. Porém, Joon-ho Bong contrói um thriller por vezes melodramático, por outras sólidio, e o resultado foi um filme emocionante, bem dirigido, de excelente estrutura e de uma das narrativas mais eficientes do ano.

Nota: 8.0

por Andinhu S. de Souza

A Rede Social (2010) de David Fincher

Chega nas locadoras um dos grandes filmes do ano, e sem dúvidas um marco no cinema estadunidense. Logo quando a notícia de que o cultuado diretor David Fincher faria um filme sobre a rede social Facebook, muita gente mordeu os lábios. A Rede Social vai fazer muita gente retirar o que disse. David Fincher cria uma obra corajosa  e um dos filmes mais curiosos e interessantes lançados esse ano, sendo este, o seu segundo melhor filme, ficando atrás apenas de Clube da Luta. Infelizmente o Oscar resolveu premiar o filme mais convencional da lista, como de costume. Mas tenho certeza de que A Rede Social se tornará um cult adorado por milhões de pessoas enquanto O Discurso do Rei ficará impoeirado nas prateleiras das locadoras.

Após protagonizar ótimos filmes como Férias Frustradas de Verão do incrível Greg Mottola, e o hilário Zumbilândia, Jesse Eisenberg tem todas as chances de alavancar de vez sua carreira depois de A Rede Social. Ele interpreta o jovem mais rico do mundo, criador do Facebook, Mark Zuckerberg, um analista de sistemas graduado em Harvard. Após Hakear um site e conseguir milhares de acessos em apenas algumas horas, começa a pensar em uma nova idéia para criar uma rede social. Mas antes disso, os irmãos Winklevoss, que havia se interessado no talento do jovem Mark, iniciam uma parceria junto com outros amigos e começam a reunir idéias para criar uma ambiciosa rede social chamada Harvard Connection.

A narrativa não menos que espetacular do filme oscila entre o julgamento de Mark e todo o processo da criação do Facebook. Galera, é muito interessante! O filme é super lento, mas de forma alguma é desinteressante. Mesmo possuindo uma linguagem de difícil compreensão, daquelas que os “expert” entenderão melhor e ter diálogos super rápidos, o filme possui um desenvolvimento instigante que em cada momento vai conquistando o espectador. Mark está sendo acusado por invasão de privaciade, de segurança, de roubar a idéia dos irmãos Winklevoss e de várias outras coisas que vão acumulando durante a projeção. Inclusive, sendo acusado pelo melhor amigo, que é o co-fundador do Facebook. Aliás, a direção de Fincher chega a ser espetacular em alguns quesitos, por fazer o espectador mudar totalmente de idéia sobre certos personagens e apioar o outro.

O elenco não poderia ser melhor. E na minha opinião Andrew Garfield é quem rouba a cena. Até mesmo Justin Timberlake se sai bem. Joseph Mazzello, mais conhecido por ser caçado por Dinossauros em Jurassic Park, faz apenas um mero coadjuvante que pouco aparece. A Trilha Sonora, que merecidamente pode ser indicada ao Oscar, é eficiente, dando um tom de suspense e drama nas horas certas. A maneira como Fincher conduz tudo é um primor.  Apesar de eu ter achado o final um tanto preguiçoso, o clima, as descobertas que os personagens faziam, a narrativa com os vai-e-vem, as informações sobre os avanços do Facebook e principalmente as compicações que os criadores tiveram por com conta do sucesso, fizeram do filme uma obra dinâmica, interessante e informativa.

O desenvolvimento pode incomodar bastante gente, mas achei as descobertas e informações tão interessantes que sustenta toda a nossa atenção. Não é o melhor filme do ano, mas é um dos melhores. Um filme sem apelação, que não exalta ninguém, e que não passa a mão na cabeça de ninguém. Claro que é impossível assistir e não sentir vontade de criar um perfil no Facebook, mas de forma alguma o filme possui uma propaganda descarada. David Fincher confirma sua posição entre um dos melhores dessa geração.

“Você não consegue 500 milhões de amigos sem fazer alguns inimigos” Impossível não lembrar dessa frase lá pelas cenas finais do filme.!

Nota: 8.0

por Andinhu S. de Souza

Julie & Julia (Nora Ephron, 2009)

Estamos em 2002, no Queens nos EUA, em cima de um pizzaria onde vive Julie e seu marido Eric e devido a tanto estresse e cansaço que obteve no trabalho, Julie vê a culinária como seu paraíso, algo que a satisfaz e a deixa mais leve , feliz e de bem com a vida. Para ela nada melhor do que chegar em casa depois de um logo e chato dia de trabalho, pegar o livro de receitas e fazer um prato delicioso. E com o árduo desejo de fazer algo novo, que a motivasse e que a distraísse, veio a idéia do blog. Julie já era fã da cozinheira Julia Child, então viu uma oportunidade de fazer o mundo conhecê-la. No começo, o blog era um fracasso, sem nenhum visitante e sem comentários, mas ao longo dos dias o blog foi se tornando um sucesso, se colocando entre a 3ª posição do blog mais acessado da cidade. Julie conquista fãs, recebe e-mails, cartas, presentes e mantimentos de culinária. Ao longo desses 365 dias, Julie enfrenta muitos obstáculos inclusive a separação conjugal que quase a faz desistir de tudo.

A muito tempo atrás, em 1948, Julia Child começou toda essa história. Junto com seu marido se mudou para Paris afim de aprender a culinária francesa. Para ela não havia nada melhor do que ir a um restaurante francês e saborear aquelas delícias. Uma mulher comum passaria horas em um loja escolhendo uma roupa, mas Child passava horas na feira cheirando e experimentando os alimentos. Apaixonada pela culinária, Julia ingressa em uma escola de gastronomia onde começa se aprofundar nesse conhecimento. Carregava consigo um objetivo: Se tornar uma famosa cozinheira e publicar um livro de culinária francesa em inglês afim de mudar a situação dos americanos que não tem prática na cozinha, desejo esses que surgiu quando ela mesma não encontrava um livro de culinária francesa em inglês em Paris.

Meryl Streep deu vida ao filme, interpretando com uma simpatia imensa, com sotaque francês incrível, apesar de eu ter achado sua performace em Dúvida melhor, onde sua personagem durona, caricata, chegava a me dar medo. Sua indicação ao Oscar deste ano é justíssima, mesmo com a forte candidata Sandra Bullock na disputa. Amy Adams digo o mesmo. Consegue expor os sentimentos e desejos de Julie claramente entregando uma boa atuação mesmo que a de Meryl tenha sido superior, é claro. É a segunda vez que as duas trabalham juntas. Na primeira foi em “Dúvida” onde as duas receberam a indicação e agora neste aqui. Engraçado é que as duas estão no mesmo filme, são as personagens centrais mas não contracenam e nem aparecem juntas, pelo fato das histórias serem contadas em diferentes épocas.

Julia Child morreu em 2004 com 91 anos; Seu livro “Dominando a Arte da culinária Francesa” está na 49ª edição; O livro’Julie e Julia’ foi publicado em 2005 e em 2009 virou um filme. O resultado final do filme se dá a Meryl que incorporou a personagem de maneira soberba; o que talvez fará o filme ser mais lembrado. Fora isso, o filme chega a ser cansativo as vezes, longo, mas que no final ficamos felizes em poder acompanhar um pouco da trajetória de vida de uma das pessoas mais importantes da culinária nos EUA.

Nota: 6.0

por Andinhu s. de Souza